OCHO Y MEDIO

FELLINI
8 y ½ 1963

“Our dreams are our real life. My fantasies and obsessions are not only my reality, but the stuff of which my films are made.”

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Drama, especie de autobiografía donde Fellini, guionista y director, nos muestra la capacidad que tiene de análisis de la condición humana en momentos de crisis, pero principalmente llama la a tención el análisis que hay de su misma personalidad.
El director con su peculiar narrativa, y haciendo uso de fantasías oníricas, recuerdos, extravagancias y una singular realidad, da vida a su personaje Guido quien se encuentra en una crisis personal y creativa, paralela a la que vivía el propio Fellini. El personaje muy pocas veces se encuentra consciente de la realidad y es arrastrado por esos surrealistas sueños en los que los personajes por los que sentía atracción Fellini aparecen y conviven sin ninguna relación aparente.
Desfiles de mujeres, el circo, la calle son los elementos con los que Fellini arma su obra maestra en donde el espectador cae también en un desconcierto y participa de esa irrealidad/realidad que vivía Fellini.
Estéticamente el filme rompe con lo que se estaba haciendo en Europa hasta ese momento con la Nueva Ola Francesa y el Neorrealsimo italiano y es un parte aguas para la filmografía de Fellini.

Las imágenes surrealistas de la cinta nos llevan a relacionar a Fellini con fotógrafos como John Heartfiel

y con otros grandes directores como Buñuel y Dali quienes dentro de su filmografía cuentan con cintas como El Perro Andaluz y La Edad de Oro en las que las imágenes oníricas tienen un valor propio fundiéndose entre sí arbitrariamente, relacionando las secuencias sin ningún orden aparente. De la mano de ellos estaría el filme La Sangre de un Poeta de Jean Cocteau, artista multidisciplinario francés.

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PICKPOCKET

Pickpocket narra la historia de Michael, hombre solitario que vive en una roñosa habitación y se dedica al robo de carteras. El director Bresson muestra a un hombre de pocas palabras, pero con una gran habilidad en las manos, destreza que decide cultivar para dedicarse cada vez a robos más sofisticados inclusive con la ayuda de otros hombres. Michael forma parte ya de este mundo de la delincuencia, sin embargo se siente cada vez más solo. En el filme se hace referencia a la madre de Michael, con quien no lleva una buena relación debido a que en una ocasión le robo dinero y siente culpabilidad por ello. La madre se encuentra enferma y es cuidada por una vecina, quien a pesar de vivir con su padre, su hija y su hermana, se siente en la misma situación de soledad que Michael. Esta soledad que los rodea finalmente los llevará a reunirse.
De gran importancia son a las secuencias de los robos en donde vemos como la cámara se acerca a las manos del ladrón y a los sacos y bolsos de las demás personas. Es de esta manera que nuestros ojos van acompañando al objeto robado en su trayectoria. Pareciera que el espectador se encontrara en un escenario de magia en donde no hay que perder de vista la “bolita”. El recurso parece tener la misma astucia que los robos y por eso nos lleva a directamente a lo que considera importante. Con estas escenas el espectador parece observar un documental de carteristas en el que están presentes la habilidad del ladrón y la inocencia o distracción de las demás personas.
En el filme son de vital importancia los silencios, de hecho los diálogos parecieran mecánicos ya que son de mucha mayor importancia los hechos y los gestos de los actores que capta la cámara. En la cinta volvemos a ver el recurso de los reflejos en el vidrio para poder ver planos diferentes como se utiliza en el hiperrealismo.

L'ATALANTE

El filme se estrenó en 1934 a tan solo unos años de la aparición del cine sonoro, de ahí que vemos que los protagonistas aún recurren a estrategias del cine mudo, como son los movimientos exagerados, aspavientos, muecas, manoteos y gesticulación.
Algunas de las escenas nos recuerdan al simbolismo, sin embargo la cinta encaja en las vanguardias del momento principalmente en el surrealismo ya que se aprecia por los sentidos y no por la razón. Maneja elementos como el agua; elemento recurrente en el surrealismo, elemento de origen, de conocimiento y elemento de contacto con otros seres humanos. Dentro de esto también es importante otros dos componentes: los reflejos, ya sea en espejos o en vidrios, como cuando por fin la protagonista se libera del encierro del barco y sale a Paris para descubrir las dos caras de la ciudad; los elegantes escaparates y los barrios de los obreros. Y los reflejos en el agua. En ambos casos se aprecian superposición de imágenes. De alguna manera esto se ve después en el hiperrealismo de Richard Estes

En cuanto al barco, a pesar de ir en movimiento representa un mundo en solitario, un mundo que gira únicamente dentro de él mismo. Esto lo podemos ver en la habitación del marinero quien ha traído pedacitos de mundo a ella, solo para quedarse ahí, es un mundo dentro del mundo, mundo contenido en los recuerdos, un mundo donde se puede soñar; concepto que despues veremos en filmes taquilleros como Titanic.

PERSONA

PERSONA 1966
Filme con componentes psicológicos que ahonda en la psique humana, en el alma humana, de ahí que llamó mi atención que el nombre que se le da a la coprotagonista fuera Alma.
El tema que se maneja es el silencio; silencio como diálogo interior.
En la cinta interactuan dos mujeres que parecieran ser una sola persona y dos de sus facetas. Elizabeth, una actriz que por decisión propia decide no volver a hablar y refugiarse en el mutismo para aislarse de lo que le molesta y así realizar una introspección es quien tiene el peso de la historia, y Alma su enfermera es quien finalmente pone sobre la mesa, en palabras, ese yo interior..
Para dar dramatismo al filme Bergman recurre a los close ups y al uso de luces y sombras para enfatizar los sentimientos que van surgiendo con los monólogos de Alma y los silencios de Elizabeth.
El filme cuestiona la importancia de cada uno para con los demás, las culpas y los papeles que cada ser humano interpreta en su propia vida. En un momento se muestra a Liv Ulman ataviada para el personaje que interpreta en Electra, pareciera que con esto el director nos quiere dar a entender que todos nos ponemos máscaras y actuamos en la vida, pero que finalmente es necesario guardar silencio para descubrir quienes somos en realidad y es a eso a lo que recurre Elizabeth como refugio para poder aislarse de lo que le molesta.