RAGING BULL

Película biográfica sobre la vida de Jack La Motta, boxeador que nació en 1921 y fue campeón mundial de peso medio. La actuación de Robert de Niro es excelente debido a que adquirió una gran destreza entrenado para la interpretación de las peleas directamente con La Motta.
No obstante lo que me parece que mantiene al espectador unido con la historia es la sensibilidad con que son representados los personajes. En primer lugar Robert de Niro nos convence totalmente del carácter autodestructivo de Jack La Motta debido sus relaciones con hombres que manipulan su carrera llevándola a la desgracia así como los celos y la paranoia que lo aquejan y que lo llevan a destruir sus relaciones familiares. El papel de Vicky La Motta interpretado por Cathy Moriarty nos muestra a una mujer en un principio inalcanzable para el boxeador pero que va poco a poco convirtiéndose en víctima de la violencia familiar para finalmente tomar el valor de cortar con su enfermiza relación y comenzar una nueva vida para ella y sus hijos quienes también eran víctimas de la relación disfuncional de sus padres. Para el papel del hermano y representante el actor Joe Pesci trabajo hombro a hombro con de Niro al grado que se llego a crear un lazo muy fuerte entre ambos que se refleja completamente cuando interpretan sus respectivos papeles. De igual importancia resulta para crear este ambiente el uso varios recursos que el director introduce en la cinta; los sencillos videos familiares en color, el documental de los periódicos son un recurso magistral para dar a la cinta el poder de atrapar la atención del público.

THE SHINING

THE SHINING
Cinta de terror psicológico dirigida por Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King del mismo nombre. De este filme hay dos versiones debido a que el mismo Stanley Kubrick decidió recortar algunas escenas ya que en Estados Unidos la película no estaba alcanzando el éxito esperado. No obstante el filme es un clásico de terror que en gran parte debe su éxito a dos factores importantes:
1) La espectacular labor de Wendy Carlos, compositora e innovadora de la música electrónica, quien con su música se encarga de manejar la tensión y el estado de ánimo tanto de los personajes como el del espectador que pasa del terror a la intriga y finalmente a la risa.
2) La película parece concluir con un clásico final; la mujer y el niño escapan del peligro y Jack muere en la nieve. Sin embargo el director continúa con una larga toma final en la que aparece un muro del hotel con una serie de fotografías y al centro de ellas una de un baile con fecha del 4 de julio 1921, en la fotografía aparece Jack, adulto y sonriente. Es aquí cuando nos preguntamos qué fue lo que vimos ¿una historia de fantasmas? ¿La visión esquizofrénica de alguno de los protagonistas?
Otro concepto que me parece que Kubrick quiere manejar es el de las dualidades. La historia que va a vivir la familia Torrance es la repetición de la que vivió la familia Grady quienes anteriormente vivieron en el hotel; cada uno de los personajes de la familia Torrance es el reflejo de alguno de los Grady, inclusive a pesar de que Danny, el niño no tiene un gemelo, tiene a Tony , amigo invisible quien vive en él y con el cual tiene una extraña conexión. Para el manejo de estas dualidades también Kubrick se vale de espejos que además le ayudan a enfatizar el peligro como en la escena en la que el niño entra a la habitación y ve a su padre, lo vemos entre un aturdido Jack y su imagen reflejada en el espejo, con esto se nos da a entender que el peligro literalemete rodea al niño. Tambien esta la escena en la que el niño escribe en una puerta REDRUM y al verlo en el espejo vemos la palabra MURDER

Mucho se puede decir y analizar la cinta de Kubrick, pero lo cierto es que ésta ha influenciado a otros directores y guionistas a explorar y explotar el genero del terror, la psicologia, lo sobrenatural etc. como un ejemplo de esto esta la cinta Los Otros y algunas miniseries de televisón.

EL TERCER HOMBRE

EL TERCER HOMBRE
Dirigida por Carol Reed se estrena en 1949 la cinta El Tercer Hombre. Estacionada dentro del cine negro americano, con raíces en el expresionismo alemán. La historia de amistad, traición e intriga se ambienta en Viena durante la posguerra, de ahí que vemos el contexto de una ciudad devastada y un comportamiento de la sociedad de acuerdo a esta situación; en la cinta lidian situaciones que vemos están entre el bien y el mal, la moral y lo amoral la fidelidad y la traición.
De primordial importancia para esta cinta de Carol Reed, resultan los emplazamientos de la cámara; ángulos en picada y contrapicada son utilizados para dar o restar importancia a los personajes y a las situaciones, sin embargo el recurso más usado es el ángulo holandés para darnos la sensación de incertidumbre, desequilibrio y confusión. Y de la mano de la cámara van las luces y sombras, tan típicas del cine negro que nos muestran el ambiente cínico y generalmente sin un final feliz para sus personajes.
La cinta es una vía en espiral que va haciendo varios recorridos; comienza con un falso entierro y de ahí recorre algunos interiores mostrando escaleras de edificios que vemos ya sea en picada o contrapicada, recorre la ciudad destruida y finalmente el recorrido por las cloacas de la ciudad para buscar al personaje que ha fingido su propia muerte pero que en esa espiral encontrara la muerte para terminar la cinta con un verdadero entierro. Durante todos estos recorridos, el director nos va mostrando escenas con las situaciones en las que los personajes tienen que luchar, se encuentran en dilemas hay que escoger entre la fidelidad a un amigo y la ética moral. Pero la escena que a mi modo de ver marca el climax de la historia es cuando las miradas de los personajes de Joseph Cotten y de Orson Wells se cruzan. El primero se asombra al ver que su amigo no está muerto y se da cuenta que ha fingido todo y lo ha manipulado, el segundo en la penumbra y con la cara a medio iluminar tiene una sonrisa cínica.

RASHOMON

Akira Kurosawa
Basado en los cuentos de Akutagawa, surge esta cinta de drama y misterio que toca el tema de la moral haciendo un análisis de la culpa, el odio, el honor, egoísmo y honestidad. También está el tema de la verdad y lo subjetivo de esta.
En el Japón ancestral una mujer es violada y su marido es asesinado. Hay cuatro personas que estuvieron en el lugar de los hechos: los tres involucrados y un testigo. Todos ellos tienen una versión diferente de lo sucedido y lo cuentan. Haciendo uso de flashbacks se nos rememora la misma historia varias veces. A pesar de que sabemos el desenlace de los hechos, se mantiene al espectador atado a la narrativa ya que la versión de cada quien es diferente.
En el lugar de los hechos había cuatro personas, dos de ellos víctimas, el asesino violador y un testigo que se encontraba en el bosque. A pesar de esto el espectador oye seis versiones de lo sucedido ya que dos personajes que se encuentran en una ruina cuentan lo que oyeron y vieron en el juicio a un tercero que llega para descansar de la lluvia, ninguno fue parte de la historia pasada, ellos son el presente al igual que nosotros que escuchamos la historia.
Las seis historias tienen una moral diferente que se analiza: La débil moral del testigo que se va adaptando a las circunstancias para su conveniencia, la moral ingenua del sacerdote budista, la cobarde del violador, la moral del asesinado que a través de un médium continua manipulando los hechos para salvar su honor, y la doble moral de la mujer violada.
Akira Kurosawa innova con esta cinta el nivel narrativo cinematográfico valiendose de recursos cinematográficos; las luces y las sombras en el bosque nos llevan directamente a las dudas así como la luminosidad del lugar donde se hace el juicio nos hace ver con claridad lo que cada personaje quiere relatar y que tomemos de su historia. Es ahí donde también con los debidos encuadres los personajes, situados en planos, toman importancia o carecen de ella y es también en este escenario en donde el director nos estaciona como oyentes a manera de juzgado del juicio, logrando así establecer el vínculo del espectador con la cinta. De gran importancia es el emplazamiento de la cámara, ángulos en picada y contrapicado, la cámara a nivel, los close ups fueron manejados soberbiamente ya que con estos recursos los personajes adquieren un peso imponente o débil dependiendo de quién cuenta la versión. ,
La cinta se va moviendo con las versiones y el análisis de la moral hasta llegar al final en donde aparece un bebé envuelto en mantas blancas. Del bebé no se sabe nada, realmente es un elemento que no tiene conexión con nada, pero aparece al final probablemente como símbolo o alegoría de la verdad.
La historia podría ser simple pero la majestuosidad con que se hizo la película así como el cuidado que Akira Kurosawa puso en los más mínimos detalles de la puesta en escena, hacen que la cinta coloque al cine japonés a nivel mundial. La historia ha sido imitada por muchos otros directores occidentales ente ellos The Outrage de Martin Ritt.

OCHO Y MEDIO

FELLINI
8 y ½ 1963

“Our dreams are our real life. My fantasies and obsessions are not only my reality, but the stuff of which my films are made.”

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Drama, especie de autobiografía donde Fellini, guionista y director, nos muestra la capacidad que tiene de análisis de la condición humana en momentos de crisis, pero principalmente llama la a tención el análisis que hay de su misma personalidad.
El director con su peculiar narrativa, y haciendo uso de fantasías oníricas, recuerdos, extravagancias y una singular realidad, da vida a su personaje Guido quien se encuentra en una crisis personal y creativa, paralela a la que vivía el propio Fellini. El personaje muy pocas veces se encuentra consciente de la realidad y es arrastrado por esos surrealistas sueños en los que los personajes por los que sentía atracción Fellini aparecen y conviven sin ninguna relación aparente.
Desfiles de mujeres, el circo, la calle son los elementos con los que Fellini arma su obra maestra en donde el espectador cae también en un desconcierto y participa de esa irrealidad/realidad que vivía Fellini.
Estéticamente el filme rompe con lo que se estaba haciendo en Europa hasta ese momento con la Nueva Ola Francesa y el Neorrealsimo italiano y es un parte aguas para la filmografía de Fellini.

Las imágenes surrealistas de la cinta nos llevan a relacionar a Fellini con fotógrafos como John Heartfiel

y con otros grandes directores como Buñuel y Dali quienes dentro de su filmografía cuentan con cintas como El Perro Andaluz y La Edad de Oro en las que las imágenes oníricas tienen un valor propio fundiéndose entre sí arbitrariamente, relacionando las secuencias sin ningún orden aparente. De la mano de ellos estaría el filme La Sangre de un Poeta de Jean Cocteau, artista multidisciplinario francés.

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PICKPOCKET

Pickpocket narra la historia de Michael, hombre solitario que vive en una roñosa habitación y se dedica al robo de carteras. El director Bresson muestra a un hombre de pocas palabras, pero con una gran habilidad en las manos, destreza que decide cultivar para dedicarse cada vez a robos más sofisticados inclusive con la ayuda de otros hombres. Michael forma parte ya de este mundo de la delincuencia, sin embargo se siente cada vez más solo. En el filme se hace referencia a la madre de Michael, con quien no lleva una buena relación debido a que en una ocasión le robo dinero y siente culpabilidad por ello. La madre se encuentra enferma y es cuidada por una vecina, quien a pesar de vivir con su padre, su hija y su hermana, se siente en la misma situación de soledad que Michael. Esta soledad que los rodea finalmente los llevará a reunirse.
De gran importancia son a las secuencias de los robos en donde vemos como la cámara se acerca a las manos del ladrón y a los sacos y bolsos de las demás personas. Es de esta manera que nuestros ojos van acompañando al objeto robado en su trayectoria. Pareciera que el espectador se encontrara en un escenario de magia en donde no hay que perder de vista la “bolita”. El recurso parece tener la misma astucia que los robos y por eso nos lleva a directamente a lo que considera importante. Con estas escenas el espectador parece observar un documental de carteristas en el que están presentes la habilidad del ladrón y la inocencia o distracción de las demás personas.
En el filme son de vital importancia los silencios, de hecho los diálogos parecieran mecánicos ya que son de mucha mayor importancia los hechos y los gestos de los actores que capta la cámara. En la cinta volvemos a ver el recurso de los reflejos en el vidrio para poder ver planos diferentes como se utiliza en el hiperrealismo.

L'ATALANTE

El filme se estrenó en 1934 a tan solo unos años de la aparición del cine sonoro, de ahí que vemos que los protagonistas aún recurren a estrategias del cine mudo, como son los movimientos exagerados, aspavientos, muecas, manoteos y gesticulación.
Algunas de las escenas nos recuerdan al simbolismo, sin embargo la cinta encaja en las vanguardias del momento principalmente en el surrealismo ya que se aprecia por los sentidos y no por la razón. Maneja elementos como el agua; elemento recurrente en el surrealismo, elemento de origen, de conocimiento y elemento de contacto con otros seres humanos. Dentro de esto también es importante otros dos componentes: los reflejos, ya sea en espejos o en vidrios, como cuando por fin la protagonista se libera del encierro del barco y sale a Paris para descubrir las dos caras de la ciudad; los elegantes escaparates y los barrios de los obreros. Y los reflejos en el agua. En ambos casos se aprecian superposición de imágenes. De alguna manera esto se ve después en el hiperrealismo de Richard Estes

En cuanto al barco, a pesar de ir en movimiento representa un mundo en solitario, un mundo que gira únicamente dentro de él mismo. Esto lo podemos ver en la habitación del marinero quien ha traído pedacitos de mundo a ella, solo para quedarse ahí, es un mundo dentro del mundo, mundo contenido en los recuerdos, un mundo donde se puede soñar; concepto que despues veremos en filmes taquilleros como Titanic.

PERSONA

PERSONA 1966
Filme con componentes psicológicos que ahonda en la psique humana, en el alma humana, de ahí que llamó mi atención que el nombre que se le da a la coprotagonista fuera Alma.
El tema que se maneja es el silencio; silencio como diálogo interior.
En la cinta interactuan dos mujeres que parecieran ser una sola persona y dos de sus facetas. Elizabeth, una actriz que por decisión propia decide no volver a hablar y refugiarse en el mutismo para aislarse de lo que le molesta y así realizar una introspección es quien tiene el peso de la historia, y Alma su enfermera es quien finalmente pone sobre la mesa, en palabras, ese yo interior..
Para dar dramatismo al filme Bergman recurre a los close ups y al uso de luces y sombras para enfatizar los sentimientos que van surgiendo con los monólogos de Alma y los silencios de Elizabeth.
El filme cuestiona la importancia de cada uno para con los demás, las culpas y los papeles que cada ser humano interpreta en su propia vida. En un momento se muestra a Liv Ulman ataviada para el personaje que interpreta en Electra, pareciera que con esto el director nos quiere dar a entender que todos nos ponemos máscaras y actuamos en la vida, pero que finalmente es necesario guardar silencio para descubrir quienes somos en realidad y es a eso a lo que recurre Elizabeth como refugio para poder aislarse de lo que le molesta.

FREAKS

DESPUÉS DE FREAKS.
La estética de lo feo
La estética, es por definición el estudio de la belleza, sin embargo existe un estudio paralelo; la estética de lo feo como el estudio de la belleza que hay dentro de lo feo. Y no es que anteriormente los artistas no mostraran fealdad, sin embargo la diferencia esta en que era clasificada como tal y hoy en día esa fealdad se muestra como bella. Ahora se mira de una manera diferente lo que era rechazado de un plumazo por considerarse poco estético, la fascinación de los personajes radica en su fealdad.

Probablemente Freaks (1932), “diferente”, fue una de las primeras exposiciones que tuvo el público de esta bella fealdad. Este tipo de estetica tendrá influencia en algunos otros artistas tal es el caso de fotógrafos como J.P.Witkin quien transgrede las finas líneas del horror y la repulsión y la belleza y la atracción con obras como Satiro de 1992 o Dwarf from Naples de 2007 o Man without Legs.

M, EL VAMPIRO DE DÜSSELDORF

M, EL VAMPIRO DE DÜSSELDORF
Cinta de gran riqueza y calidad de imágenes que se encuentra dentro del Expresionismo Alemán cuyas características, entre otras, son los escenarios exagerados o distorsionados, las sombras densas y dramáticas, el uso de los ángulos oblicuos, las líneas curvas o perpendiculares así como el uso de la cámara subjetiva (el espectador ve a través del ojo del protagonista. Es una manera de crear suspenso) todo ello para crear un mundo de pesadilla y mandar mensajes subliminales.

FITZCARRALDO

Fitzcarraldo un filme que con dos colores, blanco y pardo, nos lleva de la mano por la trama. En primer lugar tenemos el blanco que brilla durante las primeras escenas de la cinta. Es un blanco que se asigna tanto a los personajes principales como a los extras que los acompañan y que son parte del mundo europeo. El color pardo por otro lado se asigna a los personajes que no se consideran civilizados es decir la selva y los indígenas que en ella viven, así como a quienes trabajan para los blancos. El blanco brilla de manera espectacular al principio de la cinta en las vestimentas de las persoas pero con el desarrollo del filme el blanco va adquiriendo matices pardos ya que la selva no respeta ni distingue entre personas y con ese color se quiere darnos a entender lo difícil de la situación para los personajes, su relación con la selva y con los indígenas que en ella habitan, finalmente al personaje principal, Fitzcarraldo , es a quien más le dura la blancura de su traje, aunque si se llega a ensombrecer. Finalmente al terminar la epopeya del barco el blanco vuelve a brillar, en escenas de alegría. Es un blanco de luz que se destaca como en las obras de Sorolla, Mary Cassat, Sisley o muchos otros impresionistas

VERTIGO

VERTIGO
Alfred Hitchcock 1959
VertigoAlfred Hitchcock 1959
Filme surrealista que hace un recorrido emocional del personaje Scottie, quien es un policía retirado debido un mal físico que lo aflige, la acrofobia. Sin embargo la trama del filme lo llevará a un vértigo emocional movido por el amor hacia una mujer que surge en él cuando es contratado por el supuesto marido de ésta para vigilar sus movimientos.
En esta película nos encontramos, al igual que Scottie, como observadores activos inmersos en la espiral de la lenta persecución, recobrando referencias, acomodando las pistas, siguiendo a la mujer que aparenta estar en un ensueño.
Los detalles que Hitchcock maneja en la película como las imágenes que se ven en los espejos, la referencia a las joyas, a la apariencia física de la mujer o los árboles cuyo tronco es un conjunto de tiempos, son todos cuidadosamente seleccionados y repetidos para lograr que el observador se encuentre inmerso en ese caracol que desde el principio de la cinta el director nos advierte que será crucial en el filme.






En la cinta vemos algunas similitudes con obras cinematográficas o pictóricas como por ejemplo el ojo de Un Perro Andaluz de 1928 de Buñuel o como la obra de Dali en la que pinta a su mujer frente a un espejo en el cual también hay un reflejo de él, o la pintura que observa una repetición de si misma, de la misma manera que Madeleine observa el supuesto retrato de su bisabuela Charlotte.

El film se trata de recorridos y de tiempos que van en espiral, tiempos que son un pliegue del pensamiento de los sujetos y que finalmente se juntan para integrar los personajes y la trama de la película.

UN DIA MUY PARTICULAR

UN DIA MUY PARTICULAR
ETTORE SCOLA
SOPHIA LOREN MARCELLO MASTROIANNI
ESCUELA DE LA COMEDIA ITALIANA.
Un día muy particular, comedia social y política italiana. En una combinación de realismo que trata de hacer la película como espejo de la realidad y el clasicismo orientado hacia la historia y los personajes, la trama se desenvuelve con un lenguaje paralelo, la ficción y el documental. La historia sucede en 1938 y tiene dos personajes principales; Antonietta y Gabriel, quienes a pesar de venir de mundos diferentes, las circunstancias emocionales en que se encuentran los hacen conectarse y fundirse en un entendimiento. Ambos viven un vacío interior, soledad, aislamiento e incomprensión. Gabriel es perfectamente consciente de ello mientras que Antonietta cae en cuenta de ello al identificarse con él.
En la cinta vemos elementos que se pueden asociar con los personajes así como a los sentimientos que se manejan; El edificio, vacío lleno de escaleras, ventanas todas ellas iguales, repitiéndose en un mismo patrón igual que los soldados del régimen fascista. El pájaro que tiene la misma historia que los protagonistas; enjaulado, libre por unos momentos y de nuevo vuelve al aislamiento. La controladora portera que pareciera el régimen fascista, observando, constantemente hablando, juzgando. De gran importancia resultan los paños, por un lado los negros uniformes y vestimentas de quienes asisten al desfile podrían simbolizar la rigidez del régimen y la falta de libertad, por otro lado la blancura de las ropas lavadas que se encuentran en la azotea, flotan y se ven libres a pesar de estar sujetas al cordel, estas se pueden comparar con el momento en que los personajes sueltan sus sentimientos.


Enconté escenas que recuerdan el trabajo de algunos pintores, tal es el caso de la escena del encuentro de los protagonistas en la azotea, que recuerda la obra de Van Gogh Carpinteria y lavandería de1882. Las puertas y ventanas que se ven en ambos casos así como la blancura de la ropa lavada en la que Antonietta y Gabriel juegan. De igual manera en la misma escena vemos referencia a un cuadro de Magritte llamado Los amantes de 1928.




Por otro lado el tema me recuerda Los Puentes de Madison. Historia de una aburrida ama de casa que en un día que toda su familia se ha ido a un evento, conoce a un fotógrafo, a diferencia de la historia de Un Día Muy Particular, en Los Puentes de Madison si surge un romance entre los protagonistas. La similitud de las cintas es la aburrida y vacía vida de las mujeres que cobran conciencia de ello al estar frente a un desconocido que les mueve sentimientos que probablemente habían olvidado. En ambas películas la mujer se presenta descuidada, con ropa de ama de casa y ambas al enfrentarse al desconocido tienen el mismo tipo de lenguaje corporal; pasando los dedos por el pelo tratando de arreglar el desaliñado chongo, alisando el vestido, en fin haciéndose consientes de su aspecto personal.