Película biográfica sobre la vida de Jack La Motta, boxeador que nació en 1921 y fue campeón mundial de peso medio. La actuación de Robert de Niro es excelente debido a que adquirió una gran destreza entrenado para la interpretación de las peleas directamente con La Motta.
No obstante lo que me parece que mantiene al espectador unido con la historia es la sensibilidad con que son representados los personajes. En primer lugar Robert de Niro nos convence totalmente del carácter autodestructivo de Jack La Motta debido sus relaciones con hombres que manipulan su carrera llevándola a la desgracia así como los celos y la paranoia que lo aquejan y que lo llevan a destruir sus relaciones familiares. El papel de Vicky La Motta interpretado por Cathy Moriarty nos muestra a una mujer en un principio inalcanzable para el boxeador pero que va poco a poco convirtiéndose en víctima de la violencia familiar para finalmente tomar el valor de cortar con su enfermiza relación y comenzar una nueva vida para ella y sus hijos quienes también eran víctimas de la relación disfuncional de sus padres. Para el papel del hermano y representante el actor Joe Pesci trabajo hombro a hombro con de Niro al grado que se llego a crear un lazo muy fuerte entre ambos que se refleja completamente cuando interpretan sus respectivos papeles. De igual importancia resulta para crear este ambiente el uso varios recursos que el director introduce en la cinta; los sencillos videos familiares en color, el documental de los periódicos son un recurso magistral para dar a la cinta el poder de atrapar la atención del público.
sábado, 12 de diciembre de 2009
miércoles, 2 de diciembre de 2009
THE SHINING
THE SHINING
Cinta de terror psicológico dirigida por Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King del mismo nombre. De este filme hay dos versiones debido a que el mismo Stanley Kubrick decidió recortar algunas escenas ya que en Estados Unidos la película no estaba alcanzando el éxito esperado. No obstante el filme es un clásico de terror que en gran parte debe su éxito a dos factores importantes:
1) La espectacular labor de Wendy Carlos, compositora e innovadora de la música electrónica, quien con su música se encarga de manejar la tensión y el estado de ánimo tanto de los personajes como el del espectador que pasa del terror a la intriga y finalmente a la risa.
2) La película parece concluir con un clásico final; la mujer y el niño escapan del peligro y Jack muere en la nieve. Sin embargo el director continúa con una larga toma final en la que aparece un muro del hotel con una serie de fotografías y al centro de ellas una de un baile con fecha del 4 de julio 1921, en la fotografía aparece Jack, adulto y sonriente. Es aquí cuando nos preguntamos qué fue lo que vimos ¿una historia de fantasmas? ¿La visión esquizofrénica de alguno de los protagonistas?
Otro concepto que me parece que Kubrick quiere manejar es el de las dualidades. La historia que va a vivir la familia Torrance es la repetición de la que vivió la familia Grady quienes anteriormente vivieron en el hotel; cada uno de los personajes de la familia Torrance es el reflejo de alguno de los Grady, inclusive a pesar de que Danny, el niño no tiene un gemelo, tiene a Tony , amigo invisible quien vive en él y con el cual tiene una extraña conexión. Para el manejo de estas dualidades también Kubrick se vale de espejos que además le ayudan a enfatizar el peligro como en la escena en la que el niño entra a la habitación y ve a su padre, lo vemos entre un aturdido Jack y su imagen reflejada en el espejo, con esto se nos da a entender que el peligro literalemete rodea al niño. Tambien esta la escena en la que el niño escribe en una puerta REDRUM y al verlo en el espejo vemos la palabra MURDER
Cinta de terror psicológico dirigida por Stanley Kubrick basada en la novela de Stephen King del mismo nombre. De este filme hay dos versiones debido a que el mismo Stanley Kubrick decidió recortar algunas escenas ya que en Estados Unidos la película no estaba alcanzando el éxito esperado. No obstante el filme es un clásico de terror que en gran parte debe su éxito a dos factores importantes:
1) La espectacular labor de Wendy Carlos, compositora e innovadora de la música electrónica, quien con su música se encarga de manejar la tensión y el estado de ánimo tanto de los personajes como el del espectador que pasa del terror a la intriga y finalmente a la risa.
2) La película parece concluir con un clásico final; la mujer y el niño escapan del peligro y Jack muere en la nieve. Sin embargo el director continúa con una larga toma final en la que aparece un muro del hotel con una serie de fotografías y al centro de ellas una de un baile con fecha del 4 de julio 1921, en la fotografía aparece Jack, adulto y sonriente. Es aquí cuando nos preguntamos qué fue lo que vimos ¿una historia de fantasmas? ¿La visión esquizofrénica de alguno de los protagonistas?
Otro concepto que me parece que Kubrick quiere manejar es el de las dualidades. La historia que va a vivir la familia Torrance es la repetición de la que vivió la familia Grady quienes anteriormente vivieron en el hotel; cada uno de los personajes de la familia Torrance es el reflejo de alguno de los Grady, inclusive a pesar de que Danny, el niño no tiene un gemelo, tiene a Tony , amigo invisible quien vive en él y con el cual tiene una extraña conexión. Para el manejo de estas dualidades también Kubrick se vale de espejos que además le ayudan a enfatizar el peligro como en la escena en la que el niño entra a la habitación y ve a su padre, lo vemos entre un aturdido Jack y su imagen reflejada en el espejo, con esto se nos da a entender que el peligro literalemete rodea al niño. Tambien esta la escena en la que el niño escribe en una puerta REDRUM y al verlo en el espejo vemos la palabra MURDER
lunes, 30 de noviembre de 2009
EL TERCER HOMBRE
EL TERCER HOMBRE
Dirigida por Carol Reed se estrena en 1949 la cinta El Tercer Hombre. Estacionada dentro del cine negro americano, con raíces en el expresionismo alemán. La historia de amistad, traición e intriga se ambienta en Viena durante la posguerra, de ahí que vemos el contexto de una ciudad devastada y un comportamiento de la sociedad de acuerdo a esta situación; en la cinta lidian situaciones que vemos están entre el bien y el mal, la moral y lo amoral la fidelidad y la traición.
De primordial importancia para esta cinta de Carol Reed, resultan los emplazamientos de la cámara; ángulos en picada y contrapicada son utilizados para dar o restar importancia a los personajes y a las situaciones, sin embargo el recurso más usado es el ángulo holandés para darnos la sensación de incertidumbre, desequilibrio y confusión. Y de la mano de la cámara van las luces y sombras, tan típicas del cine negro que nos muestran el ambiente cínico y generalmente sin un final feliz para sus personajes.
La cinta es una vía en espiral que va haciendo varios recorridos; comienza con un falso entierro y de ahí recorre algunos interiores mostrando escaleras de edificios que vemos ya sea en picada o contrapicada, recorre la ciudad destruida y finalmente el recorrido por las cloacas de la ciudad para buscar al personaje que ha fingido su propia muerte pero que en esa espiral encontrara la muerte para terminar la cinta con un verdadero entierro. Durante todos estos recorridos, el director nos va mostrando escenas con las situaciones en las que los personajes tienen que luchar, se encuentran en dilemas hay que escoger entre la fidelidad a un amigo y la ética moral. Pero la escena que a mi modo de ver marca el climax de la historia es cuando las miradas de los personajes de Joseph Cotten y de Orson Wells se cruzan. El primero se asombra al ver que su amigo no está muerto y se da cuenta que ha fingido todo y lo ha manipulado, el segundo en la penumbra y con la cara a medio iluminar tiene una sonrisa cínica.
Dirigida por Carol Reed se estrena en 1949 la cinta El Tercer Hombre. Estacionada dentro del cine negro americano, con raíces en el expresionismo alemán. La historia de amistad, traición e intriga se ambienta en Viena durante la posguerra, de ahí que vemos el contexto de una ciudad devastada y un comportamiento de la sociedad de acuerdo a esta situación; en la cinta lidian situaciones que vemos están entre el bien y el mal, la moral y lo amoral la fidelidad y la traición.
De primordial importancia para esta cinta de Carol Reed, resultan los emplazamientos de la cámara; ángulos en picada y contrapicada son utilizados para dar o restar importancia a los personajes y a las situaciones, sin embargo el recurso más usado es el ángulo holandés para darnos la sensación de incertidumbre, desequilibrio y confusión. Y de la mano de la cámara van las luces y sombras, tan típicas del cine negro que nos muestran el ambiente cínico y generalmente sin un final feliz para sus personajes.
La cinta es una vía en espiral que va haciendo varios recorridos; comienza con un falso entierro y de ahí recorre algunos interiores mostrando escaleras de edificios que vemos ya sea en picada o contrapicada, recorre la ciudad destruida y finalmente el recorrido por las cloacas de la ciudad para buscar al personaje que ha fingido su propia muerte pero que en esa espiral encontrara la muerte para terminar la cinta con un verdadero entierro. Durante todos estos recorridos, el director nos va mostrando escenas con las situaciones en las que los personajes tienen que luchar, se encuentran en dilemas hay que escoger entre la fidelidad a un amigo y la ética moral. Pero la escena que a mi modo de ver marca el climax de la historia es cuando las miradas de los personajes de Joseph Cotten y de Orson Wells se cruzan. El primero se asombra al ver que su amigo no está muerto y se da cuenta que ha fingido todo y lo ha manipulado, el segundo en la penumbra y con la cara a medio iluminar tiene una sonrisa cínica.
viernes, 20 de noviembre de 2009
RASHOMON
Akira Kurosawa
Basado en los cuentos de Akutagawa, surge esta cinta de drama y misterio que toca el tema de la moral haciendo un análisis de la culpa, el odio, el honor, egoísmo y honestidad. También está el tema de la verdad y lo subjetivo de esta.
En el Japón ancestral una mujer es violada y su marido es asesinado. Hay cuatro personas que estuvieron en el lugar de los hechos: los tres involucrados y un testigo. Todos ellos tienen una versión diferente de lo sucedido y lo cuentan. Haciendo uso de flashbacks se nos rememora la misma historia varias veces. A pesar de que sabemos el desenlace de los hechos, se mantiene al espectador atado a la narrativa ya que la versión de cada quien es diferente.
En el lugar de los hechos había cuatro personas, dos de ellos víctimas, el asesino violador y un testigo que se encontraba en el bosque. A pesar de esto el espectador oye seis versiones de lo sucedido ya que dos personajes que se encuentran en una ruina cuentan lo que oyeron y vieron en el juicio a un tercero que llega para descansar de la lluvia, ninguno fue parte de la historia pasada, ellos son el presente al igual que nosotros que escuchamos la historia.
Las seis historias tienen una moral diferente que se analiza: La débil moral del testigo que se va adaptando a las circunstancias para su conveniencia, la moral ingenua del sacerdote budista, la cobarde del violador, la moral del asesinado que a través de un médium continua manipulando los hechos para salvar su honor, y la doble moral de la mujer violada.
Akira Kurosawa innova con esta cinta el nivel narrativo cinematográfico valiendose de recursos cinematográficos; las luces y las sombras en el bosque nos llevan directamente a las dudas así como la luminosidad del lugar donde se hace el juicio nos hace ver con claridad lo que cada personaje quiere relatar y que tomemos de su historia. Es ahí donde también con los debidos encuadres los personajes, situados en planos, toman importancia o carecen de ella y es también en este escenario en donde el director nos estaciona como oyentes a manera de juzgado del juicio, logrando así establecer el vínculo del espectador con la cinta. De gran importancia es el emplazamiento de la cámara, ángulos en picada y contrapicado, la cámara a nivel, los close ups fueron manejados soberbiamente ya que con estos recursos los personajes adquieren un peso imponente o débil dependiendo de quién cuenta la versión. ,
La cinta se va moviendo con las versiones y el análisis de la moral hasta llegar al final en donde aparece un bebé envuelto en mantas blancas. Del bebé no se sabe nada, realmente es un elemento que no tiene conexión con nada, pero aparece al final probablemente como símbolo o alegoría de la verdad.
La historia podría ser simple pero la majestuosidad con que se hizo la película así como el cuidado que Akira Kurosawa puso en los más mínimos detalles de la puesta en escena, hacen que la cinta coloque al cine japonés a nivel mundial. La historia ha sido imitada por muchos otros directores occidentales ente ellos The Outrage de Martin Ritt.
Basado en los cuentos de Akutagawa, surge esta cinta de drama y misterio que toca el tema de la moral haciendo un análisis de la culpa, el odio, el honor, egoísmo y honestidad. También está el tema de la verdad y lo subjetivo de esta.
En el Japón ancestral una mujer es violada y su marido es asesinado. Hay cuatro personas que estuvieron en el lugar de los hechos: los tres involucrados y un testigo. Todos ellos tienen una versión diferente de lo sucedido y lo cuentan. Haciendo uso de flashbacks se nos rememora la misma historia varias veces. A pesar de que sabemos el desenlace de los hechos, se mantiene al espectador atado a la narrativa ya que la versión de cada quien es diferente.
En el lugar de los hechos había cuatro personas, dos de ellos víctimas, el asesino violador y un testigo que se encontraba en el bosque. A pesar de esto el espectador oye seis versiones de lo sucedido ya que dos personajes que se encuentran en una ruina cuentan lo que oyeron y vieron en el juicio a un tercero que llega para descansar de la lluvia, ninguno fue parte de la historia pasada, ellos son el presente al igual que nosotros que escuchamos la historia.
Las seis historias tienen una moral diferente que se analiza: La débil moral del testigo que se va adaptando a las circunstancias para su conveniencia, la moral ingenua del sacerdote budista, la cobarde del violador, la moral del asesinado que a través de un médium continua manipulando los hechos para salvar su honor, y la doble moral de la mujer violada.
Akira Kurosawa innova con esta cinta el nivel narrativo cinematográfico valiendose de recursos cinematográficos; las luces y las sombras en el bosque nos llevan directamente a las dudas así como la luminosidad del lugar donde se hace el juicio nos hace ver con claridad lo que cada personaje quiere relatar y que tomemos de su historia. Es ahí donde también con los debidos encuadres los personajes, situados en planos, toman importancia o carecen de ella y es también en este escenario en donde el director nos estaciona como oyentes a manera de juzgado del juicio, logrando así establecer el vínculo del espectador con la cinta. De gran importancia es el emplazamiento de la cámara, ángulos en picada y contrapicado, la cámara a nivel, los close ups fueron manejados soberbiamente ya que con estos recursos los personajes adquieren un peso imponente o débil dependiendo de quién cuenta la versión. ,
La cinta se va moviendo con las versiones y el análisis de la moral hasta llegar al final en donde aparece un bebé envuelto en mantas blancas. Del bebé no se sabe nada, realmente es un elemento que no tiene conexión con nada, pero aparece al final probablemente como símbolo o alegoría de la verdad.
La historia podría ser simple pero la majestuosidad con que se hizo la película así como el cuidado que Akira Kurosawa puso en los más mínimos detalles de la puesta en escena, hacen que la cinta coloque al cine japonés a nivel mundial. La historia ha sido imitada por muchos otros directores occidentales ente ellos The Outrage de Martin Ritt.
lunes, 26 de octubre de 2009
OCHO Y MEDIO
FELLINI
8 y ½ 1963
8 y ½ 1963
“Our dreams are our real life. My fantasies and obsessions are not only my reality, but the stuff of which my films are made.”
_____________________________________________________________
Drama, especie de autobiografía donde Fellini, guionista y director, nos muestra la capacidad que tiene de análisis de la condición humana en momentos de crisis, pero principalmente llama la a tención el análisis que hay de su misma personalidad.
El director con su peculiar narrativa, y haciendo uso de fantasías oníricas, recuerdos, extravagancias y una singular realidad, da vida a su personaje Guido quien se encuentra en una crisis personal y creativa, paralela a la que vivía el propio Fellini. El personaje muy pocas veces se encuentra consciente de la realidad y es arrastrado por esos surrealistas sueños en los que los personajes por los que sentía atracción Fellini aparecen y conviven sin ninguna relación aparente.
Desfiles de mujeres, el circo, la calle son los elementos con los que Fellini arma su obra maestra en donde el espectador cae también en un desconcierto y participa de esa irrealidad/realidad que vivía Fellini.
Estéticamente el filme rompe con lo que se estaba haciendo en Europa hasta ese momento con la Nueva Ola Francesa y el Neorrealsimo italiano y es un parte aguas para la filmografía de Fellini.
Drama, especie de autobiografía donde Fellini, guionista y director, nos muestra la capacidad que tiene de análisis de la condición humana en momentos de crisis, pero principalmente llama la a tención el análisis que hay de su misma personalidad.
El director con su peculiar narrativa, y haciendo uso de fantasías oníricas, recuerdos, extravagancias y una singular realidad, da vida a su personaje Guido quien se encuentra en una crisis personal y creativa, paralela a la que vivía el propio Fellini. El personaje muy pocas veces se encuentra consciente de la realidad y es arrastrado por esos surrealistas sueños en los que los personajes por los que sentía atracción Fellini aparecen y conviven sin ninguna relación aparente.
Desfiles de mujeres, el circo, la calle son los elementos con los que Fellini arma su obra maestra en donde el espectador cae también en un desconcierto y participa de esa irrealidad/realidad que vivía Fellini.
Estéticamente el filme rompe con lo que se estaba haciendo en Europa hasta ese momento con la Nueva Ola Francesa y el Neorrealsimo italiano y es un parte aguas para la filmografía de Fellini.
Las imágenes surrealistas de la cinta nos llevan a relacionar a Fellini con fotógrafos como John Heartfiel
y con otros grandes directores como Buñuel y Dali quienes dentro de su filmografía cuentan con cintas como El Perro Andaluz y La Edad de Oro en las que las imágenes oníricas tienen un valor propio fundiéndose entre sí arbitrariamente, relacionando las secuencias sin ningún orden aparente. De la mano de ellos estaría el filme La Sangre de un Poeta de Jean Cocteau, artista multidisciplinario francés.
. 
miércoles, 14 de octubre de 2009
PICKPOCKET
Pickpocket narra la historia de Michael, hombre solitario que vive en una roñosa habitación y se dedica al robo de carteras. El director Bresson muestra a un hombre de pocas palabras, pero con una gran habilidad en las manos, destreza que decide cultivar para dedicarse cada vez a robos más sofisticados inclusive con la ayuda de otros hombres. Michael forma parte ya de este mundo de la delincuencia, sin embargo se siente cada vez más solo. En el filme se hace referencia a la madre de Michael, con quien no lleva una buena relación debido a que en una ocasión le robo dinero y siente culpabilidad por ello. La madre se encuentra enferma y es cuidada por una vecina, quien a pesar de vivir con su padre, su hija y su hermana, se siente en la misma situación de soledad que Michael. Esta soledad que los rodea finalmente los llevará a reunirse.
De gran importancia son a las secuencias de los robos en donde vemos como la cámara se acerca a las manos del ladrón y a los sacos y bolsos de las demás personas. Es de esta manera que nuestros ojos van acompañando al objeto robado en su trayectoria. Pareciera que el espectador se encontrara en un escenario de magia en donde no hay que perder de vista la “bolita”. El recurso parece tener la misma astucia que los robos y por eso nos lleva a directamente a lo que considera importante. Con estas escenas el espectador parece observar un documental de carteristas en el que están presentes la habilidad del ladrón y la inocencia o distracción de las demás personas.
En el filme son de vital importancia los silencios, de hecho los diálogos parecieran mecánicos ya que son de mucha mayor importancia los hechos y los gestos de los actores que capta la cámara. En la cinta volvemos a ver el recurso de los reflejos en el vidrio para poder ver planos diferentes como se utiliza en el hiperrealismo.
De gran importancia son a las secuencias de los robos en donde vemos como la cámara se acerca a las manos del ladrón y a los sacos y bolsos de las demás personas. Es de esta manera que nuestros ojos van acompañando al objeto robado en su trayectoria. Pareciera que el espectador se encontrara en un escenario de magia en donde no hay que perder de vista la “bolita”. El recurso parece tener la misma astucia que los robos y por eso nos lleva a directamente a lo que considera importante. Con estas escenas el espectador parece observar un documental de carteristas en el que están presentes la habilidad del ladrón y la inocencia o distracción de las demás personas.
En el filme son de vital importancia los silencios, de hecho los diálogos parecieran mecánicos ya que son de mucha mayor importancia los hechos y los gestos de los actores que capta la cámara. En la cinta volvemos a ver el recurso de los reflejos en el vidrio para poder ver planos diferentes como se utiliza en el hiperrealismo.
L'ATALANTE
El filme se estrenó en 1934 a tan solo unos años de la aparición del cine sonoro, de ahí que vemos que los protagonistas aún recurren a estrategias del cine mudo, como son los movimientos exagerados, aspavientos, muecas, manoteos y gesticulación.
Algunas de las escenas nos recuerdan al simbolismo, sin embargo la cinta encaja en las vanguardias del momento principalmente en el surrealismo ya que se aprecia por los sentidos y no por la razón. Maneja elementos como el agua; elemento recurrente en el surrealismo, elemento de origen, de conocimiento y elemento de contacto con otros seres humanos. Dentro de esto también es importante otros dos componentes: los reflejos, ya sea en espejos o en vidrios, como cuando por fin la protagonista se libera del encierro del barco y sale a Paris para descubrir las dos caras de la ciudad; los elegantes escaparates y los barrios de los obreros. Y los reflejos en el agua. En ambos casos se aprecian superposición de imágenes. De alguna manera esto se ve después en el hiperrealismo de Richard Estes
En cuanto al barco, a pesar de ir en movimiento representa un mundo en solitario, un mundo que gira únicamente dentro de él mismo. Esto lo podemos ver en la habitación del marinero quien ha traído pedacitos de mundo a ella, solo para quedarse ahí, es un mundo dentro del mundo, mundo contenido en los recuerdos, un mundo donde se puede soñar; concepto que despues veremos en filmes taquilleros como Titanic.
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